art moderne et contemporain
GALERIE d'Art moderne et Contemporain
Au cœur du Luberon, dans le village de Bonnieux depuis 2003, la GALERIE ORTUS expose les grands maîtres de l’Art Moderne à la renommée établie et internationale, des artistes contemporains au sommet de leur carrière, ainsi que la jeune génération, débordante de talent et de créativité.
Artistes
AMANDA JOY BROWN, ARMAN, BAROCCO, CALDER, CHAGALL, COMBAS, DALI, DELVAUX, ERRO, Daniel FAVRE, HASEGAWA, KEDZ, KOVALENKO, Fernand LEGER, LINDSTROM, LOUBAT, MARINI, MIRO, PICASSO, SANDORFI, SEGUI, SENNOJ CODE, SITBON, SOULAGES, TITO STRECHENBERGER, TOBIASSE, VASARELY, ZAO WOU-KI
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KOVALENKO
"A la dérobée"
KOVALENKO
KOVALENKO
Huile sur toile
"A la dérobée"
Format 90 x 70 cm
Nicolas KOVALENKO est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes. -
KOVALENKO
"Fin août début septembre"
KOVALENKO
KOVALENKO
Huile sur toile
"Fin août début septembre"
Format 130 x 100 cm
Nicolas KOVALENKO est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes. -
KOVALENKO
"Le bar sans nom"
KOVALENKO
KOVALENKO
Huile sur toile
"Le bar sans nom"
Format 130 x 90 cm
Nicolas KOVALENKO est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes. -
KOVALENKO
" Rumeur"
KOVALENKO
KOVALENKO
Huile et acrylique sur toile
"Rumeur"
Format 89 x 130 cm
Nicolas KOVALENKO est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes.
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BAROCCO
"Rêves masqués"
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Daniel FAVRE
"Introspection"
Daniel FAVRE
DANIEL FAVRE
Sculpture originale en bronze patiné à la main.
Hauteur : 68 cm
N° 4/8
Fonderie Barthélémy.
Daniel Favre est un artiste sculpteur né en 1952 dans les Alpes. Il a fait toutes ses études aux beaux-arts de Grenoble dont il est sorti diplômé de la section gravure. Cette spécialité n’est pas anodine dans la carrière de l’artiste. De par la maitrise du dessin et de la technique que cette spécialité implique, elle éclaire déjà ses préférences : la confrontation avec la matière et le goût du travail bien fait.
Graveur attentif et dessinateur méticuleux, Daniel Favre emprunte à ces deux univers la délicatesse et le perfectionnisme pour réaliser son oeuvre sculpturale. Dés la fin de sa formation aux Beaux-Arts, il s’éloigne des bases académiques et des connaissances qu’il a acquises, afin de repartir sur de nouvelles options
Daniel Favre part toujours d'un modèle vivant. Il sculpte dans la terre un sujet anatomiquement parfait. Puis, par le jeu d'éclairages projetés suivi d'un long processus de réflexion et d'anticipation, il coupe les rondeurs, saisit les angles. Il rend l'oeuvre à la lumière qui l'a créée pour en faire un être construit et tendu de forces.
Daniel Favre a de longue date été fasciné par le corps humain car, selon les mots mêmes de l’artiste, le corps humain est à géométrie variable. Effectivement, malgré ses changements de positions, d’extension et de rétraction, l’unité fondamentale de celui-ci n’est pas affectée. Chaque nouvelle position qu’il peut prendre est la résultante d’un complexe jeu de forces qui projette jusqu’à nous la puissance de ce corps et ses potentialités infinies. -
AMANDA JOY BROWN
"Along the Edge"
AMANDA JOY BROWN
AMANDA JOY BROWN
Acrylique sur toile
77.5 x 81 cm
"Along the Edge"
Amanda Joy Brown est une artiste peintre contemporaine américaine qui travaille dans son atelier à Nashville, Tennessee aux Etats-Unis. Elle a commencé à étudier la peinture à l'université de Harding, étudiante en section "Graphic Design". Elle comprit alors qu'elle avait trouvé sa voie et a poursuivi jusqu'à l'obtention d'un MFA au Savannah College of Art and Design. A présent, ses oeuvres sont exposées aux Etas-Unis et en Europe, et font partie de nombreuses collections à l'échelle internationale.
"Faire partie du monde, c'est être inondé par la complexité, le rythme, et la couleur. L'expérience peut être à la fois fascinante et accablante. Mes oeuvres réagissent à cette dynamique, en examinant les foules. Ma technique et mes compositions traitent en parallèle d'une humanité collective et individuelle, alors que le flux de la peinture définit et généralise en même temps, les figures et les expressions individuelles. Je crée d'abord la trame en laissant s'écouler la peinture du tube ou de mes mains, d'une façon totalement contrôlée ou accidentelle. Puis je répands la peinture, la vernit, et la façonne avec mes doigts, le plus souvent sans utiliser de brosse. Chaque oeuvre est abordée avec sa propre sensibilité, à la fois comme un dessin et une peinture."
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SENNOJ CODE
" Joyau "
SENNOJ CODE
SENNOJ CODE
ACRYLIQUE SUR TOILE
"Joyau "
116 x 89 cm
" Issu d’un cursus arts appliqués, Sennoj code se prend de passion pour les métiers du fer à la sortie du lycée et étudie successivement la ferronnerie d’art, la métallerie serrurerie, ainsi que la construction métallique.
Dans le cadre de ses études, il a été initié au dessin technique et au dessin d’épures, nécessaire à tout ouvrage métallique.
La rigueur géométrique et formelle ne l’abandonne plus et est aujourd’hui à la genèse de son style.
Ayant trouvé dans le dessin sur toile son médium de prédilection, il ne cesse d’explorer et de poursuivre son cheminement artistique, toujours à l’écoute de nouvelles inspirations. Il consacre désormais la plupart de son temps à la création de toiles.
Fasciné par les écritures anciennes, il intègre à ses toiles des signes similaires à l’arabe, aztèque, chinois ou encore égyptien. Alors l’écrit devient motif et la forme se détache de son sens pour ne plus célébrer que ses courbes, ses vides et ses pleins. Ces éléments sont aussi l’occasion pour lui d’interroger son rapport au vide et à la cohabitation du noir et du blanc, un mariage dont l’exploration tient une place importante dans sa recherche. -
Daniel FAVRE
"Taureau"
Daniel FAVRE
Daniel FAVRE
Sculpture originale en bronze patiné à la main.
"Taureau"
Longueur : 54 cm Hauteur 27 cm
N° 3/8
Fonderie Barthélémy
Daniel Favre est un artiste sculpteur né en 1952 dans les Alpes. Il a fait toutes ses études aux beaux-arts de Grenoble dont il est sorti diplômé de la section gravure. Cette spécialité n’est pas anodine dans la carrière de l’artiste. De par la maitrise du dessin et de la technique que cette spécialité implique, elle éclaire déjà ses préférences : la confrontation avec la matière et le goût du travail bien fait.
Graveur attentif et dessinateur méticuleux, Daniel Favre emprunte à ces deux univers la délicatesse et le perfectionnisme pour réaliser son oeuvre sculpturale. Dés la fin de sa formation aux Beaux-Arts, il s’éloigne des bases académiques et des connaissances qu’il a acquises, afin de repartir sur de nouvelles options
Daniel Favre part toujours d'un modèle vivant. Il sculpte dans la terre un sujet anatomiquement parfait. Puis, par le jeu d'éclairages projetés suivi d'un long processus de réflexion et d'anticipation, il coupe les rondeurs, saisit les angles. Il rend l'oeuvre à la lumière qui l'a créée pour en faire un être construit et tendu de forces.
Daniel Favre a de longue date été fasciné par le corps humain car, selon les mots mêmes de l’artiste, le corps humain est à géométrie variable. Effectivement, malgré ses changements de positions, d’extension et de rétraction, l’unité fondamentale de celui-ci n’est pas affectée. Chaque nouvelle position qu’il peut prendre est la résultante d’un complexe jeu de forces qui projette jusqu’à nous la puissance de ce corps et ses potentialités infinies. -
SENNOJ CODE
" Loading sustem"
SENNOJ CODE
SENNOJ CODE
Acrylique sur toile
80 x 80 cm
"Loading system"
" Issu d’un cursus arts appliqués, Sennoj code se prend de passion pour les métiers du fer à la sortie du lycée et étudie successivement la ferronnerie d’art, la métallerie serrurerie, ainsi que la construction métallique.
Dans le cadre de ses études, il a été initié au dessin technique et au dessin d’épures, nécessaire à tout ouvrage métallique.
La rigueur géométrique et formelle ne l’abandonne plus et est aujourd’hui à la genèse de son style.
Ayant trouvé dans le dessin sur toile son médium de prédilection, il ne cesse d’explorer et de poursuivre son cheminement artistique, toujours à l’écoute de nouvelles inspirations. Il consacre désormais la plupart de son temps à la création de toiles.
Fasciné par les écritures anciennes, il intègre à ses toiles des signes similaires à l’arabe, aztèque, chinois ou encore égyptien. Alors l’écrit devient motif et la forme se détache de son sens pour ne plus célébrer que ses courbes, ses vides et ses pleins. Ces éléments sont aussi l’occasion pour lui d’interroger son rapport au vide et à la cohabitation du noir et du blanc, un mariage dont l’exploration tient une place importante dans sa recherche. -
Daniel FAVRE
"Sandra"
Daniel FAVRE
Daniel FAVRE
Sculpture en bronze patiné à la main.
" Sandra"
Hauteur 78 cm
N° 8/8
Fonderie Barthélémy
Daniel Favre est un artiste sculpteur né en 1952 dans les Alpes. Il a fait toutes ses études aux beaux-arts de Grenoble dont il est sorti diplômé de la section gravure. Cette spécialité n’est pas anodine dans la carrière de l’artiste. De par la maitrise du dessin et de la technique que cette spécialité implique, elle éclaire déjà ses préférences : la confrontation avec la matière et le goût du travail bien fait.
Graveur attentif et dessinateur méticuleux, Daniel Favre emprunte à ces deux univers la délicatesse et le perfectionnisme pour réaliser son oeuvre sculpturale. Dés la fin de sa formation aux Beaux-Arts, il s’éloigne des bases académiques et des connaissances qu’il a acquises, afin de repartir sur de nouvelles options
Daniel Favre part toujours d'un modèle vivant. Il sculpte dans la terre un sujet anatomiquement parfait. Puis, par le jeu d'éclairages projetés suivi d'un long processus de réflexion et d'anticipation, il coupe les rondeurs, saisit les angles. Il rend l'oeuvre à la lumière qui l'a créée pour en faire un être construit et tendu de forces.
Daniel Favre a de longue date été fasciné par le corps humain car, selon les mots mêmes de l’artiste, le corps humain est à géométrie variable. Effectivement, malgré ses changements de positions, d’extension et de rétraction, l’unité fondamentale de celui-ci n’est pas affectée. Chaque nouvelle position qu’il peut prendre est la résultante d’un complexe jeu de forces qui projette jusqu’à nous la puissance de ce corps et ses potentialités infinies. -
BAROCCO
"Voyages"
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KEDZ
"Horizon"
KEDZ
KEDZ
Acrylique et patines, pigments et feuille dorée sur technique mixte et colorants.
100 x 100 cm
"Horizon"
Kedz utilise les techniques ancestrales du point et de la matière au travers du cercle, symbole de l'infini. Plusieurs supports et pigments sont mis en oeuvre sur toiles, fibres et bois pour sublimer la matière et évoquer l'esprit du vivant.
Son travail est un hommage au monde végétal et animal.
"Tout est là, il nous suffit d'ouvrir les yeux et de tendre la main pour comprendre la nature et nous découvrir à travers elle" Kedz -
Paul DEVAUX
" Sommeil "
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Théo TOBIASSE
"Les Baladins"
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Amanda Joy BROWN
" Le Tour sans Nuages"
Amanda Joy BROWN
Amanda Joy BROWN
"Le Tour sans Nuages"
Acrylique sur toile
Format 74 x 68 cm
Amanda Joy Brown est une artiste peintre contemporaine américaine qui travaille dans son atelier à Nashville, Tennessee aux Etats-Unis. Elle a commencé à étudier la peinture à l'université de Harding, étudiante en section "Graphic Design". Elle comprit alors qu'elle avait trouvé sa voie et a poursuivi jusqu'à l'obtention d'un MFA au Savannah College of Art and Design. A présent, ses oeuvres sont exposées aux Etas-Unis et en Europe, et font partie de nombreuses collections à l'échelle internationale.
"Faire partie du monde, c'est être inondé par la complexité, le rythme, et la couleur. L'expérience peut être à la fois fascinante et accablante. Mes oeuvres réagissent à cette dynamique, en examinant les foules. Ma technique et mes compositions traitent en parallèle d'une humanité collective et individuelle, alors que le flux de la peinture définit et généralise en même temps, les figures et les expressions individuelles. Je crée d'abord la trame en laissant s'écouler la peinture du tube ou de mes mains, d'une façon totalement contrôlée ou accidentelle. Puis je répands la peinture, la vernit, et la façonne avec mes doigts, le plus souvent sans utiliser de brosse. Chaque oeuvre est abordée avec sa sa propre sensibilité, à la fois comme un dessin et une peinture."
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Alexander CALDER
Albi
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KOVALENKO
"Frémissement"
KOVALENKO
KOVALENKO
"Frémissement"
Huile sur toile
160 x 100 cm
Nicolas Kovalenko est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes.
"Mers intérieures est une série de peintures grands formats sur la mer. A travers ce travail, je cherche à ouvrir une parenthèse dans nos vies saturées. Une parenthèse calme et sereine. Une parenthèse de vide nous renvoyant à notre propre vide intérieur. Je pense que ce vide n’a rien de pauvre ni de médiocre. Bien au contraire, il est d’une grande noblesse, il est primordial, il nous constitue. La matière dont nous sommes faits n’est-elle pas composée essentiellement de vide? Mais dans notre quotidien, ce vide, nous avons tendance à vouloir le cacher, le combler, le couvrir d’illusions. Je propose de renouer avec lui pour un instant. Dans cette optique, je suis toujours à la recherche de la frontière entre ce que l’on voit et ce que l’on ressent.
Éprouver cette frontière, c’est se donner l’occasion de s’égarer un moment, de se soustraire à soi-même.
Ce rapt intérieur, cet abandon volontaire, c’est selon moi l’expérience du vide. Je pense que l’on peut vivre cette expérience sur la ligne de crête entre figuratif et abstrait, dans la confrontation de la maîtrise et du spontané, dans la multitude des détails qui forment un bruit de fond diffus support de l’image, dans l’absence de repère, de sujet, voir de composition.
Les tableaux de la série Mers intérieures sont des textures sensibles qui s’étendent à l’infinie au-delà des bords du cadre. "
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Fernandez Arman
"Les Marteaux"
Fernandez Arman
Fernandez Arman
"Les Marteaux"
1973
Gravure sur papier Arches
signée et numérotée au crayon
Tirage à 100 exemplaires
N° 81 / 100
Format : 63 x 90 cm
Illustration : 44 x 75 cm
éditée par Jacques Putman (Paris) et imprimée chez l'Atelier Pennequin (Paris)
catalogue raisonné : Otmezguine 055
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SENNOJ CODE
"Foule 8"
SENNOJ CODE
Sennoj Code
"Foule 8"
Acrylique sur toile
116 x 89 cm
" Issu d’un cursus arts appliqués, Sennoj code se prend de passion pour les métiers du fer à la sortie du lycée et étudie successivement la ferronnerie d’art, la métallerie serrurerie, ainsi que la construction métallique.
Dans le cadre de ses études, il a été initié au dessin technique et au dessin d’épures, nécessaire à tout ouvrage métallique.
La rigueur géométrique et formelle ne l’abandonne plus et est aujourd’hui à la genèse de son style.
Ayant trouvé dans le dessin sur toile son médium de prédilection, il ne cesse d’explorer et de poursuivre son cheminement artistique, toujours à l’écoute de nouvelles inspirations. Il consacre désormais la plupart de son temps à la création de toiles.
Fasciné par les écritures anciennes, il intègre à ses toiles des signes similaires à l’arabe, aztèque, chinois ou encore égyptien. Alors l’écrit devient motif et la forme se détache de son sens pour ne plus célébrer que ses courbes, ses vides et ses pleins. Ces éléments sont aussi l’occasion pour lui d’interroger son rapport au vide et à la cohabitation du noir et du blanc, un mariage dont l’exploration tient une place importante dans sa recherche." -
PAIOC ET MAYEUL
Sulpture originale
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KOVALENKO
"Night life"
KOVALENKO
KOVALENKO
Huile sur toile
"Night life"
Format 130 x 90 cm
Nicolas KOVALENKO est un artiste français né en 1984 à Aix-en-Provence. Diplômé en 2010 de l’École Nationale Supérieure d’Architecture de Nantes, il suit les cours du soir à l’École Supérieure des Beaux-Arts de Nantes entre 2013 et 2015.
Nourri de son fort intérêt pour tout ce qui a trait à la production de l’image, Nicolas Kovalenko s’est rapidement tourné vers des disciplines artistiques au sortir de ces études. Ses premiers projets portent sur l’illustration et le cinéma d’animation mais c’est finalement la peinture qui deviendra son médium de prédilection. Nicolas exécute ses toiles à l’huile, au moyen d’une palette de tonalités relativement réalistes qu’il agence au gré d’intenses jeux de lumières. Considéré par l’artiste comme une “somme d’accidents heureux”, chaque portrait, chaque paysage urbain est dès lors perçu comme le témoignage visuel d’un combat intérieur mêlant affects et attentes. -
SENNOJ CODE
"Déclin 3 "
SENNOJ CODE
Sennoj Code
"Declin 3 "
Acrylique sur toile
116 x 89 cm
" Issu d’un cursus arts appliqués, Sennoj code se prend de passion pour les métiers du fer à la sortie du lycée et étudie successivement la ferronnerie d’art, la métallerie serrurerie, ainsi que la construction métallique.
Dans le cadre de ses études, il a été initié au dessin technique et au dessin d’épures, nécessaire à tout ouvrage métallique.
La rigueur géométrique et formelle ne l’abandonne plus et est aujourd’hui à la genèse de son style.
Ayant trouvé dans le dessin sur toile son médium de prédilection, il ne cesse d’explorer et de poursuivre son cheminement artistique, toujours à l’écoute de nouvelles inspirations. Il consacre désormais la plupart de son temps à la création de toiles.
Fasciné par les écritures anciennes, il intègre à ses toiles des signes similaires à l’arabe, aztèque, chinois ou encore égyptien. Alors l’écrit devient motif et la forme se détache de son sens pour ne plus célébrer que ses courbes, ses vides et ses pleins. Ces éléments sont aussi l’occasion pour lui d’interroger son rapport au vide et à la cohabitation du noir et du blanc, un mariage dont l’exploration tient une place importante dans sa recherche." -
SENNOJCODE
" Code 2 "
SENNOJCODE
Sennoj Code
"Code 2"
Acrylique sur toile
80 x 80 cm
" Issu d’un cursus arts appliqués, Sennoj code se prend de passion pour les métiers du fer à la sortie du lycée et étudie successivement la ferronnerie d’art, la métallerie serrurerie, ainsi que la construction métallique.
Dans le cadre de ses études, il a été initié au dessin technique et au dessin d’épures, nécessaire à tout ouvrage métallique.
La rigueur géométrique et formelle ne l’abandonne plus et est aujourd’hui à la genèse de son style.
Ayant trouvé dans le dessin sur toile son médium de prédilection, il ne cesse d’explorer et de poursuivre son cheminement artistique, toujours à l’écoute de nouvelles inspirations. Il consacre désormais la plupart de son temps à la création de toiles.
Fasciné par les écritures anciennes, il intègre à ses toiles des signes similaires à l’arabe, aztèque, chinois ou encore égyptien. Alors l’écrit devient motif et la forme se détache de son sens pour ne plus célébrer que ses courbes, ses vides et ses pleins. Ces éléments sont aussi l’occasion pour lui d’interroger son rapport au vide et à la cohabitation du noir et du blanc, un mariage dont l’exploration tient une place importante dans sa recherche." -
Amanda Joy Brown
"Spring Confetti : Golden Hour"
Amanda Joy Brown
Amanda Joy Brown
"Spring Confetti : Golden Hour"
Acrylique sur toile
81 x 76 cm
Amanda Joy Brown est une artiste peintre contemporaine américaine qui travaille dans son atelier à Nashville, Tennessee aux Etats-Unis. Elle a commencé à étudier la peinture à l'université de Harding, étudiante en section "Graphic Design". Elle comprit alors qu'elle avait trouvé sa voie et a poursuivi jusqu'à l'obtention d'un MFA au Savannah College of Art and Design. A présent, ses oeuvres sont exposées aux Etas-Unis et en Europe, et font partie de nombreuses collections à l'échelle internationale.
"Faire partie du monde, c'est être inondé par la complexité, le rythme, et la couleur. L'expérience peut être à la fois fascinante et accablante. Mes oeuvres réagissent à cette dynamique, en examinant les foules. Ma technique et mes compositions traitent en parallèle d'une humanité collective et individuelle, alors que le flux de la peinture définit et généralise en même temps, les figures et les expressions individuelles. Je crée d'abord la trame en laissant s'écouler la peinture du tube ou de mes mains, d'une façon totalement contrôlée ou accidentelle. Puis je répands la peinture, la vernit, et la façonne avec mes doigts, le plus souvent sans utiliser de brosse. Chaque oeuvre est abordée avec sa propre sensibilité, à la fois comme un dessin et une peinture."
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TITO STREICHENBERGER
"Charlot"
TITO STREICHENBERGER
ACRYLIQUE ET COLLAGES SUR TOILE
150 x 150 CM
"Charlot"
Christophe STREICHENBERGER est né à Paris, le 16 Mars 1962. Il est initié à la peinture, dès son plus jeune age, par ses deux grands-parents. A la fin de ses études, il travaille pendant dix ans pour la Banque de l’Image et se consacre depuis 1993 exclusivement à la peinture. Il a notamment exposé à Chantilly, Gordes, Avignon, Vigniène et Bonnieux.
La peinture de Christophe STREICHENBERGER conjugue deux démarches esthétiques que l’on pourrait supposer inconciliables. L’une, conceptuelle, s’approprie certains des codes du Pop Art, de la publicité ou de la photo de mode – figures géométriques, vide sidéral, couleurs froides – ; l’autre, expressive, organique, procède d’un courant dont BACON, parmi d’autres, constitue un accomplissement.
Sur la toile, la confrontation entre ces deux approches antagonistes s’avère généralement violente, parfois savante et apaisée, toujours aléatoire. Masquée par une trame minérale, une résille froide, s’impose la présence d’un désordre corrupteur, d’une souffrance mutante, proliférante. Ce second plan pervertissant le premier, le dissolvant comme un acide, est une forme humaine, je suis certain qu’il s’agit d’une forme humaine…
Mais, nous ne nous en tirerons pas à si bon compte. Dans l’espace de la toile, il y a ni vainqueur, ni vaincu, la confrontation n’a de cesse, et le peintre ne tombe pas le masque. Alors, de quoi s’agit-il ? La question, disait le poète, se referme sur elle-même comme la main sur l’arme blanche. Ce que la peinture de Christophe STREICHENBERGER donne à voir, regardons-le en face.
Yves RANSON -
Antonio SEGUI
"Les chapeaux"
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